今回の展覧会タイトル「microcosm」は“小宇宙”という意味です。大学の頃、金魚鉢を真上から眺めた風景を描いた「まるい小宇宙　Round Microcosm」という絵を描きました。その時に「小宇宙　microcosum」という言葉を初めて作品の題名に使いました。その頃から作品はだいぶ変わりましたが、本質的にそこに戻るような作品をつくりたいと思いました。水を描いていると宇宙的なものと繋がっていくように感じるんです。 小さい世界の一部を拡大して見ていくと小さいものに大きいものが全部含まれてるような感覚になります。そういった感覚を想起させたくて今回の展覧会のタイトルをつけました。【*4】

平面の《circle》【*5,6】は新作で、今回の展示の構成を考えて作ったシリーズです。これまで1枚の絵に凝縮して入れ込んでいた部分部分が会場全体に散らばっているというイメージを持っています。そして、そこにモビールが浮いています【*7】

今回は、PARCのコンクリートの壁面や窓から入る自然光を生かした展示にしました。絵にモビールが重なったり、影が出るようにライティングしているので、できれば異なる時間帯で楽しんでいただきたいです。

そうですね。ずっとモビールをつくってみたいという思いがありました。アレクサンダー・カルダーが昔から好きで、実際につくりたいと思ったのは、コロナ禍でのパルクの［m＠p］プロジェクトの時です。結局その時は他のものをつくり、ようやく今回やってみることができました。ただ、かなり大きなものになりました。
最初は技術的にどうやってバランスをとるのか等わからないことがあって。計算し尽くされているだろうと思われるカルダーの作品を先に見ていると、全体像をまず考えて作らなきゃと足踏みしてしまいました。でもパーツ作りからやっていくこともできるんじゃないかとアドバイスをもらって。実際、試行錯誤して手を動かしているうちにこの形になりました。

制作工程としては、まず普段通り和紙に絵を描いてそれを切り取ります。最初はアクリル絵具で塗ることも考えたけど、普段の画材を使うことで、会場に展示された他の絵とリンクするので、そうしました。
一枚の和紙ではなくて表と裏の二枚張りにしています。その方が厚くなって糊の強度もでて紙が反らないし、二枚の絵画を貼って表と裏にしているということが私にとって重要な意味を持ちました。
日本画はまず膠を溶く必要があり、チューブからすぐ出せるアクリル絵具と違って時間もかかり、張り合わせる作業や乾燥させる作業などかなり時間がかかりました。
ですので、アクリルや色紙を使うことなども考えましたが試しにつくってみたら良くなくて、やはり普段通りの仕事を手間かけてやるほうがよいと思い直し、今の形になりました。どうして今の形がいいと思ったのか、その時はすぐに説明できないものですが、感覚というか勘を頼りに実現させる形に持って行き、どうして自分がそれを許せるか許せないか、その理由を探っていく作業が作品を作る楽しみだと思いました。

モビールも私にとっては絵の延長です。絵画とつながっています。
最初はそのようなことは考えずに制作を始めました。絵画か立体かを先にあたまで考えてしまうよりも手を動かしていくことでそれがわかるようになります。たくさんの可能性からなぜそこに行き着くのかというのを考えるのが面白いと思います。

はじめは紙を組み合わせて立体的にすることも考えたのですが、黒や緑の残った和紙に胡粉で描いたら、レイヤー状にきれいにできるから、これを空間に浮かせるのもいいなと思いました。日本画は粒子の大きさで、下にいったり、上にいったりするので、筆跡が見えやすい。胡粉は特に絵画らしい厚みが出ます。一番最初に描いた光の形のものは下の色が透けて見えるようにしました。全部下塗りをしていて、墨や緑、青で下塗りをしています。後ろの絵と重なった時に、絵画の中に描いているものが飛び出ているように見えるとよいなと思っています。
また、もともと日本画には揉み紙という技法があるので、光りやすい絵具を入れ、光の影響を受けやすくしてわざとぐしゃっと揉んで伸ばしてみました。シワが岩肌にも見えますし、色のグラデーションが空間を曲げているようにも見えますし、惑星の表面のようにも見えます。美しくできたグラデーションの和紙をくしゃくしゃにするのは最初抵抗がありましたが、思い切ってやってみたら物質感が出てよくなりました。失敗したものももちろんありますが。この形に辿り着くまで、裏面の色、形含め、様々な選択肢があって迷いましたが、頭でイメージしていたものに近づけたと思います。【*7】